14 de septiembre de 2007. - Soria Noticias - Jorge Jimenez - El segundo encuentro con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León corresponde al quinto concierto de abono del XV Otoño Musical Soriano. Su director titular, Alejandro Posada, será por segunda vez durante este festival, el responsable musical al frente del conjunto orquestal castellano. La sinfónica de nuestra comunidad ha estado presente en todas las edición del Festival de Otoño.
El programa de mano es un interesante recorrido histórico por momentos importantes del sinfonismo musical de los siglos XIX y XX. En programa figuran obras de Andrés Gaos, un músico gallego fallecido en 1959 del que recientemente se está recuperando su catálogo musical gracias al estudio musicológico, además del Concierto para piano de Edward Grieg, uno de los grandes clásicos del género concertante, bien conocido por los aficionados musicales. El pianista palentino Pedro Zuloaga será el encargado de ejecutar la parte a solo de este concierto. Precisamente este músico, nacido en 1930, debutó con este mismo concierto para piano en 1956 en el Teatro "Victoria Eugenia" de San Sebastián. Discípulo del conocido Enrique Aroca en Madrid, Zuloaga formó después dúo con Miguel Frechilla, dando el primer conicerto en Salamanca en 1959. El dúo pianístico Frechilla-Zuloaga fue durante más de cuarenta años obligada referencia en el ámbito pianístico, con numerosas giras por Europa y América. Además de concertista en giras de conciertos, Pedro Zuloaga ha sido conferenciante, crítico musical, docente musical y ha grabado importantes registros fonográficos. El importante concurso de piano lleva exactemante el nombre "Frechilla-Zuloaga". La interpretación del Concierto para piano de Grieg supone además de un reconocimiento para el músico castellano, un recuerdo al compositor noruego, ya que durante este año se cumple el I Centenario de su fallecimiento. La segunda parte del concierto la ocupa la Sinfonía nº 8 de Beethoven. En el documento adjunto tenéis todos las notas al programa de este concierto.
Dada la importancia de Pedro Zuloaga como pianista y su trayectoria musical a lo largo de casi siete décadas, os adjunto en formato jpg la voz 'Zuloaga, Pedro' de Diccionario de la Música Española e Iberoamericana, cuyo texto es de J. B. Varela de Vega. No dejéis de leerla, dada su dilatada trayectoria.
VIERNES, 14 de septiembre; 20:30 h.
ORQUESTA SINFÓNICA DE
CASTILLA Y LEÓN.
Pedro Zuloaga, piano
Alejandro Posada, director
I
Andrés GAOS (1874-1959)
‘Impresión nocturna’
E. GRIEG (1843-1907)
Concierto para piano y orquesta, en la menor, op. 16
Allegro molto moderato
Adagio
Allegro moderato e marcato
II
L. van BEETHOVEN (1770-1827)
Sinfonía nº 2, en re mayor, op. 36
Adagio molto – Allegro con brio
Larghetto
Scherzo
Finale
ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN
En la temporada 2006-07 la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL)
ha inaugurado su nueva sede en el Auditorio “Miguel Delibes” de Valladolid,
se ha presentado por primera vez en el Festival de Música de Canarias,
en el Palau de la Música de Valencia y en el Ciclo Ibermúsica (Orquestas y
Solistas del Mundo) en el Auditorio Nacional de Madrid, ofreciendo programas
conjuntos con la Filarmónica de Gran Canaria y con la Orquestra de
Cadaqués, respectivamente. En mayo de 2006 realizó una gira por distintas
ciudades de Colombia (Medellín, Bogotá, Cartagena de Indias y Barranquilla)
y República Dominicana, con Clara Andrada (flauta) y Ara Malikian
(violín), bajo la dirección de su titular, el maestro Alejandro Posada.
Destacan los trabajos discográficos publicados por RTVE-Música con Ainhoa
Arteta y Carlos Álvarez y los aparecidos en el sello Naxos, con obras de
Joaquín Rodrigo y Joaquín Turina, muy celebradas en publicaciones nacionales
y extranjeras. Su disco con obras de Antonio José ha sido clasificado
como excepcional y “verdaderamente histórico” por la revista Scherzo (junio
2006). Recientemente ha aparecido su grabación de la Sinfonía de réquiem
de Xavier Montsalvatge, con motivo de habérsele concedido el Premio Iberoamericano
de la Música 1998 “Tomás Luis de Victoria”. Su último trabajo
discográfico para el sello Warner, en el que se recogen obras de Luis de los
Cobos y Xavier Montsalvatge, con la participación del violinista Ara Malikian,
fue nominada grabación a los “Premios de la Música 2007”.
La agrupación sinfónica se ha dejado escuchar en los principales foros artísticos
del país y del extranjero, con giras en Portugal, Alemania, Suiza y
Estados Unidos, donde se presentó en 2002 en el histórico Carnegie Hall
de Nueva York. La orquesta se creó en 1991 a instancias de la Junta de
Castilla y León, bajo la dirección de Max Bragado-Darman, que fue su
director titular hasta 1999. De 2001 a 2004 Salvador Mas fue su principal
director invitado. La OSCyL es miembro fundador de la AEOS (Asociación
Española de Orquestas Sinfónicas).
ALEJANDRO POSADA GÓMEZ, director titular
Director titular de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León desde 2002,
el colombiano Alejandro Posada desarrolla desde hace años una importante
labor artística por toda Europa y Latinoamérica. En el viejo
continente ha dirigido conjuntos como la Filarmónica de Belgrado, Orquesta
Filarmónica y de Cámara de Sarajevo –de las que fue titular
hasta el inicio de la guerra en el país balcánico–, Sinfónica de Baja
Austria, Pro-Arte, Residenzorchester de Viena, Sinfónica de Szeged de
Hungría, Wiener Mozartorchester –de la que fue director asociado–,
director artístico de la Musikverein Pressbaum Orchester y titular de la
Orquesta Ciudad de Baden, ambas en Austria. También ha dirigido orquestas
como Washington Symphony Orchestra, Orquesta Nacional de
Taiwán y Mitteldeutsche Kammerphilarmonie (Berlín). En España dirige
con frecuencia agrupaciones sinfónicas de primer orden.
Director asociado de la Orquesta Sinfónica de Colombia desde 1996,
fue director asociado de la Orquesta Filarmónica de Medellín y, actualmente,
es invitado con asiduidad a dirigir las principales orquestas
de su país: Filarmónica de Bogotá, Filarmónica de Medellín, Sinfónica
del Valle, Filarmónica del Caribe y Sinfónica de la Universidad EAFIT.
Su permanente colaboración con las principales agrupaciones orquestales
de Latinoamérica lo han llevado a dirigir las orquestas de Costa
Rica, Concepción (Chile), Simón Bolívar (Venezuela), Nacional del Salvador,
Nacional de la República Dominicana, Monterrey y Orquesta de
Cámara de Bellas Artes (México). En la pasada temporada 2006/07
fue invitado a dirigir en el Festival Mozart de Würzburg (Alemania). Ha
realizado diversas producciones de ópera y varias ediciones discográficas
con la Sinfónica de Galicia, Filarmónica de Bogotá, Filarmónica de
Gran Canaria y Orquesta Sinfónica de Castilla y León.
Alejandro Posada nació en Colombia y completó sus estudios musicales
en el Conservatorio de Bellas Artes de Medellín, graduándose como pianista.
En Viena realizó sus estudios de dirección orquestal, composición
y dirección coral. Alejandro Posada obtuvo el primer premio del “Concurso
para Directores Jóvenes”, organizado por la Orquesta de Cámara
de Viena; segundo premio del “I Concurso Internacional para Directores
de Orquesta de Cadaqués” y Premio Especial de la XI Competición Internacional
“Nicolai Malko”, para directores, de Copenhague.
PEDRO ZULOAGA, piano
Comenzó a tocar el piano a los cuatro años, cursando sus primeros
estudios en Valladolid. Pasa más tarde a Madrid, siendo discípulo predilecto
del gran pianista Enrique Aroca. Su presentación en público
tuvo lugar en 1956, en el Teatro “Victoria Eugenia” de San Sebastián,
como solista del Concierto para piano y orquesta de Grieg, junto a
la Orquesta Sinfónica que dirigía Ramón Usandizaga. Ofrece recitales
de piano a solo y de música de cámara hasta 1959, año clave en su
historial artístico por formar con Miguel Frechilla el que va a ser durante
más de cuarenta años el famoso dúo pianístico Frechilla-Zuloaga, de
referencia obligada en esta especialidad. Sus numerosas giras por Europa
y América les llevaron a Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Rusia,
Italia, Suiza, Bélgica, Malta, Cerdeña, etc., siendo notables sus recitales
en el Cami May de Nueva Cork, Wolf Trapo Fundation de Washington,
Palacio de las Naciones de Ginebra, entre otras.
En España actuaron en los más importantes centros musicales, como
el Auditorio Nacional, Teatro Real de Madrid, Palau de la Música de
Barcelona, Teatro Principal de Valencia, Fundación “Juan March”, Sala
Fénix y, prácticamente, en todas las sociedades filarmónicas del país.
Como solistas con orquesta han sido dirigidos, entre otros, por Eric
Feldbusch, Dimitri Berberoff, Pich Santasusana, Octav Calleya, Vicente
Spiteri, Luis Remartínez, Edmon Colomer, Max Bragado, Mariano de las
Heras y Armando Alfonso.
Su abundante discografía constituye una aportación de gran valor para
el repertorio dúo-pianístico, ya desde su histórico LP de 1974, primero
en el mundo dedicado íntegramente a música española. Su último disco
compacto contiene la primera versión para dos pianos de la integral de
los Conciertos para dos instrumentos de tecla del Padre Antonio Soler.
Pedro Zuloaga, profesor de Estética e Historia de la Música del Conservatorio
de Valladolid desde 1957, ha sido también director de este centro
durante nueve años. Es Licenciado en Derecho por la Universidad
de Valladolid y titular del Premio Nacional de Piano “Frechilla-Zuloaga”
de la Diputación de Valladolid. En 1999 recibió junto a Frechilla el
“Premio Castilla y León” de las Artes.
NOTAS AL PROGRAMA
Andrés Gaos: ‘Impresión nocturna’
La vida y obra del músico gallego Andrés Gaos Berea (1874-
1959) siguen vivas gracias al empeño de su hijo menor Andrés
Gaos Gillochón, de los musicólogos gallegos Xoán M. Carreira
y Rosa María Fernández y otros músicos de su tierra, como el
director Joám Trillo, quien al frente de la Sinfónica de Galicia, de
la Orquesta Joven de Galicia junto con el esfuerzo del Instituto
Gallego de las Artes Escénicas y Musicales, han conseguido que
Impresión nocturna forme parte de los archivos de buena parte
de las orquestas sinfónicas españolas y argentinas. Docente,
violinista, compositor y director de orquesta, la vida de Gaos
pronto se emancipa de su Coruña natal para estudiar en Madrid
y Bruselas; a los 21 años ya realiza su primera gira americana,
presentándose con gran éxito en Buenos Aires. El comité del pabellón
argentino en la Exposición Universal de París de 1937
le encarga la organización de la programación de conciertos
sinfónicos de música argentina, y este mismo año Andrés Gaos
dirige la Orquesta Lamoureux, exhibiendo ante el público y crítica
del momento Impresión nocturna; es, sin lugar a dudas, la
partitura más ejecutada del autor y la que también más veces se
ha registrado fonográficamente.
La música de Gaos mantiene un fuerte vínculo afectivo con su
Galicia natal; parte de sus obras toman elementos de la música
popular. Sin embargo, a través de Impresión nocturna da la sensación
que el lenguaje musical gaosiano es heredero del siglo
XIX, con una fuerte fijación post-romántica. Su poema sinfónico
Impresión nocturna nada tiene que ver con los ‘ismos’ musicales
que sacudían la vanguardia musical del momento; se trata
más bien de un lenguaje tonal ampliado, con un gusto controlado
por el cromatismo y la disonancia. Impresión nocturna es
un poema sinfónico escrito para orquesta de cuerdas. La obra
destaca principalmente por su dilatada melodía, por las amplias
frases musicales desplegadas en las cuerdas, cuyo desarrollo encaja
perfectamente en la forma musical de la fantasía. En este
sentido, parece que el autor tampoco renuncia a las formas musicales
de la práctica común decimonónica; la fantasía no hace
sino reforzar, dentro de la continente, el profundo lirismo y la
imaginación compositiva de Gaos. La duración aproximada es
de unos 11 minutos.
Si desean mayor información sobre Andrés Gaos, les recomiendo
que visiten su página web oficial en internet (www.
andresgaos.com). Descubrirán una página fresca, completa y
actualizada, en cuatro idiomas; es un lugar web especialmente
diseñado para la investigación musical moderna del compositor.
El responsable de esta página es Andrés Gaos, el menor de susocho hijos.
Según nuestro criterio, se trata sin duda de un gran
ejemplo de cómo puede ser la investigación musical de cara al
siglo XXI. Desearíamos que este modelo de páginas oficiales de
compositores fallecidos se mantuviera con compositores de esta
tierra castellana: Olmeda, Camarca, especialmente Fco. García
Muñoz, de cara al próximo centenario de su nacimiento, a conmemorar
en 2008. Una idea importante. Pero éste es tema para
otra ocasión.
E. Grieg: Concierto para piano, en la menor, op. 16
Conforme transcurre el siglo XIX, el creciente nacionalismo europeo
proclamaba con mayor fuerza la libertad del individuo perteneciente
a una nación determinada, a la idea de un pueblo.
El concepto de nacionalismo musical se expande desde finales
del siglo XIX y principios del XX mediante composiciones inmersas
en materiales folclóricos, que tienen identificación nacional o
regional; se trata de melodías no programáticas y que recuerdan
tonadas populares o aspectos de la mitología o literatura nacional.
Ejemplos de este nacionalismo musical los encontramos
en Hungría (Bartók, Kodaly), Checoslovaquia (Dvorak, Smetana),
Rusia (los Cinco), Finlandia (Sibelius)... o en Noruega con
el compositor que nos ocupa las siguientes líneas del programa
de mano: Edvard Grieg (1843-1907); su Concierto para piano,
en la menor, op. 16, es un pequeño ejemplo característico del
romanticismo musical noruego.
Este es el único concierto de Grieg para piano y orquesta. Tras su
estreno en Copenhague el 3 de abril de 1869, fue arreglado en
dos ocasiones, conociéndose tres versiones originales. Desde su
presentación pública, una de las principales observaciones a la
partitura es el paralelismo con el concierto homólogo de Schumann,
ambos en la misma tonalidad. Ciertamente, este concierto
debe mucho al de Schumann, pero también hay pasajes de
bravura técnica que sugieren los dos conciertos de Chopin o los
de Liszt (cadencia del primer movimiento), combinados con otros
episodios melódicos de amplia profundidad lírica. El último movimiento
(Allegro moderato e marcato) añade una melodía que
recuerda las melodías populares noruegas, gracias a un ritmo
de acentos muy marcados, sobre quintas vacías y disonancias
añadidas; esta melodía se inspira en el halling o danza tradicional
noruega en dos tiempos, cuyo nombre proviene del valle de
Hallingdal.
Desde su estreno ha sido siempre una de las partituras habituales
de los programas de concierto, gozando de gran popularidad
entre músicos y público en general. El tratamiento del piano, la
recreación de ciertas melodías y su color musical son algunas de
las razones del éxito de esta obra. La música popular noruega
influyó decisivamente en la creación melódica y rítmica y la escritura
armónica de Grieg. Su obra comprende, esencialmente,
lieder y obras breves para piano.
Beethoven: Sinfonía nº 2, en re mayor, op. 36
Como dice P. G. Downs, la vida y obra de Beethoven nada entre
dos aguas, cuyo punto de inflexión se situaría en torno a 1800.
Comúnmente se denomina al estilo de Beethoven como clásicoromántico;
Beethoven parte de la escuela vienesa de la segunda
mitad del siglo XVIII, junto a Haydn y Mozart, pero a su vez es
el primer compositor romántico, cuyas nuevas composiciones
inician una nueva etapa, al mismo tiempo que culminan una
era. Entre estas dos aguas estilísticas, formales y generacionales
(Clasicismo / Romanticismo) se halla la Sinfonía nº 2, en re mayor,
op. 36. La partitura se fecha en 1802, aunque se estrenó un
año más tarde en Viena, en el mismo concierto que lo hicieron
el oratorio Cristo en el monte de los olivos y el Concierto para
piano nº 3, bajo la dirección del propio Beethoven. En la vida
del compositor de Boon 1802 es un año crucial: se trata del año
de la crisis, reflejada en el conocido como Testamento de Heiligenstadt,
redactado el verano de ese mismo año. Su sordera
se agrava repentinamente, su carácter se enfurece... Beethoven
hace una llamada a la muerte y piensa en el suicidio. Afortunadamente,
pronto Beethoven esboza lo que sería su siguiente
sinfonía, la Sinfonía “Heroica”. El nombrado musicólogo inglés
Grove señala en torno al opus 36: “el punto culminante del Antiguo
Régimen, prerrevolucionario, de Haydn y Mozart, punto del
que Beethoven va a partir hacia regiones en las que nadie antes
que él había osado aventurarse”. La Segunda sinfonía comparte
características con su predecesora: proporción formal, equilibrio
instrumental, gusto por los desarrollos temáticos y vitalidad. La
novedad más destacada de la Segunda hay que buscarla en el
modo de tratar los instrumentos de viento; la plantilla de viento
de esta sinfonía (maderas a dos, más dos trompas y dos trompetas)
parece que ya no está tan integrada en la masa sonora
instrumental del grueso de la orquesta, sino que asume ciertas
características propias (¿democratización de la orquesta?). Si
bien el soporte del discurso sonoro está confiado a la cuerda, la
madera y, singularmente, el metal comienzan a sonar con autoridad
propia, en particular las trompas, que tienen un significado
muy particular para el compositor.
La sinfonía se abre con una introducción lenta y solemne, para
dar paso al primer tema del Allegro, alegre y brioso; parece estar
todo escrito a la manera de la obertura napolitana; el segundo
tema parece tener un corte triunfal. El segundo movimiento
(Larghetto) también se articula en dos temas: un primero melódico
e inspirado y un segundo saltarín y mucho más ligero.
Tras el Scherzo, de gran impulso enérgico y con contrastes de
matices forte y piano en el diálogo de las cuerdas y las maderas,
alcanzamos el Finale, que parece concentrar múltiples tensiones
acumuladas en el transcurso de la sinfonía.
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